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L’intérêt du travail artistique de développement

L’intérêt du travail artistique de développement est de mettre la créativité artistique au service des réparations de nos espaces intérieurs chahutés par nos adaptations au monde. Ressentir puis exprimer de façon spontanée et libre nos états d’âme sous la forme la plus adaptée à ce que nous sommes, c’est à dire sans angoisse et dans la confiance, permet de les objectiver et ouvre la porte à la création pure..
Le regard de la conscience portés sur ces ressentis nous permet d’en connaître sens et origine le plus souvent liés à des mémoires difficiles proches ou lointaines. Ce fait jour alors la possibilité d’en apaiser l’impact en les relativisant par rapport au présent. Nous parvenons alors à les réparer en les considérant pour ce qu’ils sont : des effets de mémoire, et en leur opposant progressivement nos ressources positives acquises ou potentielles.

L’art développement est un processus d’élargissement de conscience efficace pour améliorer les standards acquis de nos comportements, les apaiser ou les dynamiser, les affiner, les enrichir et les accorder à notre équilibre adulte en évolution.

L’improvisation vocale est,  au même titre que toute pratique artistique plastique apte à remplir cette mission.

Jean Lucien Jacquemet.

Voir : les voi(es)x de la voix

Les Âges de l’expression

Par J.L. JACQUEMET

L’être humain cherche à « exprimer lui-même »! (voir : La vie est un Art ).
Que se passe-t-il lorsqu’ il décide de jeter des signes écrits, dessinés, de la couleur sur le papier, ou des sons, des paroles, des gestes dans l’espace, non pas pour une fonction précise, pragmatique, mais seulement pour «dire » ? L’observation montre chez les adultes, qu’en fonction de la maturité d’expression ( qui n’a que très peu à voir avec l’âge) de celui ou de celle qui s’exprime, les processus mis en jeu ne sont pas les mêmes.

La maturité d’expression se caractérise par la plus ou moins grande liberté que l’on a à mettre au-dehors ( ex-primer ), ce qui nous préoccupe, ce qui nous est essentiel, ce que nous ressentons comme libérateur, ce qui nous réjouit comme un jeu. La virtuosité de la réalisation du message exprimé, sa « lisibilité» contribuent aussi à l’appréciation de cette « maturité ».

Il faut distinguer ensuite, l’expression spontanée, libre, sans cadre particulier, de l’expression délibérée, consciente, réalisée dans le cadre d’un atelier.

Dans le cadre d’un atelier où la personne débutante est mise en condition pour simplement être attentive à ce qu’elle exprime, le «premier âge» de l’expression est de type :

• expressionnisme projectif… La personne se projette dans l’objet exprimé (son, couleur, signe, geste, forme … ). ‘A ce stade, rien dans l’objet luimême ne permet d’identifier l’image projetée. La personne peut raconter qu’elle a ressenti telle chose, qu’elle voit telle réalité d’objet ou de personnage dans ce qu’elle a fait, mais cela n’est pas «visible» ni «lisible» de l’extérieur. Il faut accueillir son «dit», pour valoriser son vécu, mais ne pas non plus lui faire croire que l’on a identifié ce contenu.

Le «deuxième âge» de l’expression est de type :

• expressionnisme subjectif… Là une forme, figurative ou non est discernable et l’interprétation est liée à la problématique personnelle de l’exécutant(e). L’interprétation qu’il en fait peut se trouver parfois assez éloignée des interprétations faites par les spectateurs ou observateurs du résultat de l’expression.

Le «troisième âge» de l’expression est de type :

• expressionnisme objectif… L’expression est celle de l’histoire personnelle de l’exécutant(e), l’interprétation qu’il en fait et celle des spectateurs se retrouvent dans un même consensus. Les deux peuvent reconnaître et identifier avec des nuances différentes bien sûr, le même contenu de l’expression.

Ces trois stades correspondent à l »’expression artistique de développement’, où l’on constate que le signe exprimé (son, couleur, tracé, forme, geste, parole … ) est profondément révélateur de la nature et de la structure de l’exécutant. Moins l’exécutant a prémédité son expression et plus elle est révélatrice ! Que l’exécution soit primitive ou sophistiquée, ce qui compte à ce stade est ‘l’accompagnement actif du laisser faire !’ Sortir de la pure représentation mentale pour entrer dans ‘le geste artistique’. Le geste artistique est un geste où la conscience de la personne est concentrée ‘dans’ le contact avec la matière travaillée (matière, argile, papier, couleur, son, espace … ).
Et ce, dans un contact ‘interactif’ où l’exécutant et la matière dialoguent au travers des sensations. De ce contact de la conscience avec la matière, surgit l’expérience formatrice qui est un ‘dit’ souvent d’une grande profondeur, surgissant d’une volonté de dire, inconnue, reliée aux sentiments et aux émotions, beaucoup plus essentielle que celle émanant de la ‘conscience ordinaire’ , et, de la plus ou moins grande habileté technique.

Le ‘quatrième âge’ de l’expression est celui de :
• la création.

La vie est un Art

L’expression … Une activité si commune ! S’exprimer… Banalité … Quelle angoisse pourtant quand soudain l’enjeu est là :
Examen, entretien d’embauche … présentation de projet… rencontres de tous ordres, professionnelles, familiales, déclaration d’intention, d’amour…

L’homme est un être d’expression. Depuis la nuit des temps, il s’efforce de ‘presser au dehors’ les messages qui le harcèlent de l’intérieur. Que ce soit pour dire sa faim, sa colère, sa frustration, son désir, sa tendresse, sa haine, ses peurs, son soulagement, son attention, son adoration, sa vénération … Toujours, l’homme a cherché à mettre ‘au dehors’ de lui. Par la voix, par le geste, en traçant des signes, images, écriture … au début, dans le recul secret et sombre des cavernes, puis de plus en plus au grand jour, et maintenant sur la planète entière !

Expression des mystères qui le hantent et le dépassent, expression de son respect pour la sublime réalité qu’il voit dans la nature autour de lui, dans ce qu’il pressent derrière l’apparence du monde… cela est toujours d’actualité. Mais aujourd’hui survient un phénomène nouveau… Il cherche à ‘exprimer lui-même’!

Il cherche à mettre au-dehors la complexité de son monde intérieur. Mais il ne le sait pas toujours tout à fait consciemment, alors il a peur, il hésite, et souvent, attend des autres qu’ils lui révèlent ce qu’il est. Souffrance !

L’autre ne peut me révéler à moi-même. L’autre ‘est l’occasion’ de me révéler à moi-même et ce n’est pas si mal déjà. Il ne faut donc pas rater cette chance. Alors il faut surmonter ses craintes. Car s’exprimer pour savoir qui l’on est et où l’on va, c’est accepter tout de soi avec la meilleure bienveillance. L’art est ce terrain privilégié. A condition bien sûr de le dépouiller de tout assujettissement à des critères financiers ou de mode.

Il nécessite un accueil inconditionnel, dans un espace protégé, de tout ce dont-on est porteur. Faire face aux images, aux messages … qu’ils proviennent de nos contrées intérieures les plus sombres ou les plus lumineuses.

Ensuite, l’artiste en soi choisit. Il choisit ce qu’il veut garder et en toute liberté, l’offrir au monde. Ce qui le gêne, ce qu’il trouve inutile ou destructeur, il le transforme, il le métamorphose et en fait sa plus belle œuvre d’art. A cette tâche, nous avons de quoi faire. Cela peut nous occuper fort intensément. Non, cela ne coupe pas du monde au contraire. Aller au bout du regard que l’on a sur soi, c’est au bout du compte, se rendre beaucoup plus disponible … !

Jean Lucien JACQUEMET

Un concept riche de possibilité

L’ Art Développement,

un concept riche de possibilité… ! A vous d’en compléter les richesses. Utilisez le formulaire de contact pour nous faire parvenir vos articles. Ils seront publiés après avoir été agréés par le modérateur.

Dans cette colonne, des articles, des publications…

 

Au départ est l’expérience

Texte de Laurent
 Rycklynck
artiste plasticien
 pour l’édition n°2 de Fabriquer le futur :

Le geste artistique tel que je le vis dans mes productions les plus récentes est semblable au travail d’une antenne tournée vers les étoiles, couplée aux traceurs qui retranscrivent les signaux reçus.

Mon esprit, dans sa capacité raisonnante, est totalement absent du processus. Les formes des traits me sont comme dictées par l’évidence ; les couleurs sont choisies par mes mains plus que par mes yeux et appliquées avec une confiance absolue.
C’est une jouissance d’aisance. Mais l’ego n’en a pas pour son compte ; ce rôle de simple messager des évidences ne lui suffit pas.
A certains moments, mon esprit –cette fois dans sa capacité de vision globale- semble entrevoir une possibilité. Une amorce de fleur, de visage, de paysage … C’est alors que ma capacité à peser est maximale. Je pousse vers la figure et lui donne vie, ou je la laisse s’effacer dans les traits suivants.
C’est une décision prise en un instant, sans réflexion, probablement sous l’influence de mon humeur du moment.
Je ne crois pas me tromper en disant que Dieu –ou la Vie, selon le nom qu’on lui donne –  ne fait rien de plus que suivre son humeur.
Tant qu’on n’en a pas fait l’expérience personnelle, la fameuse séparation « cerveau gauche / cerveau droit » reste difficile à saisir concrètement. Mais les circonstances et les conséquences d’une telle prise de conscience méritent d’être contées, car lorsque elle survient, on en ressort profondément transformé.
Laurent  Ryckelynck Arts plastiques

Au départ est l’expérience

Diplômé d’HEC, spécialisé dans le contrôle de gestion, gestionnaire et logisticien à mes débuts, les chiffres m’ont longtemps semblé la meilleure façon d’appréhender les phénomènes de l’entreprise. « Des faits, des chiffres, pas d’émotions » répétait mon patron. J’étais fier de lui !

La vie m’avait bien enseigné, parfois cruellement, que les données seules n’ouvrent pas le cœur des hommes. Mais je dus attendre la confrontation avec une sculpture, il y a dix ans, pour découvrir un monde sensible que j’enviais sans en avoir jusque là trouvé l’accès.
Je me revois comme si c’était hier, stupéfait, tournant autour de ce marbre d’Antonio Canova représentant Amour et Psyché. Comment comprendre le bouleversement que je ressentais en moi ? Quelles portes ouvrait-il dans ma vie ?
Pour en avoir le cœur – et l’œil – net, je pris des cours de sculpture, puis j’appris le dessin académique et enfin la peinture. Un vrai bonheur. Symptôme d’un développement par delà mes repères, je ne pus signer de mon nom. Il me fallait un nouveau panneau pour marquer les nouveaux territoires.
Je mis beaucoup plus de temps à apprécier la contemplation des œuvres, car j’escaladais le mauvais mur : un mur de livres sur l’art et d’épaisses monographies. Je savais tout, mais je ne ressentais pas assez. Cette fois, c’est un tableau de Gauguin qui me catapulta définitivement dans le monde du regard artistique. Un regard qui se plaît à ne rien lire, à ne pas rechercher la compréhension, en quête plutôt de surprises visuelles, de rapprochements osés, de rappels de vieux souvenirs et de questions existentielles.

Un cerveau droit … et un autre en prime.

Comment nous apparaît le cerveau droit lorsqu’il sort de son sommeil ? Comme un réservoir insondable, comme une armoire à jeux qui s’ouvre devant nos yeux, et surtout comme un livre d’image aux pages innombrables, projetables à volonté dans les salles d’un multiplexe.
Mais cet hémisphère ne fonctionne pas à sa pleine mesure sans un moteur : le système limbique, autrement dit le cerveau des émotions. Autant le cerveau gauche nous coupe de nos émotions, autant son symétrique les réveille. Normal, puisque les neurosciences nous apprennent que toute image, que nous la voyions au travers de nos yeux ou qu’elle se projette à partir de nos souvenirs, déclenche en nous la même émotion. Il suffit de revivre en pensée un conflit pour en prendre conscience.

Le management par l’art

Quelles sont les conséquences d’une ouverture à l’art lorsqu’on est manager ? Elles sont immenses, à tel point que j’ai entrepris d’en faire mon métier !
Au niveau des pratiques artistiques, d’innombrables trucs qu’utilisent les artistes permettent à des managers de trouver des postures qui peuvent leur faire gagner en temps et en sécurité d’exécution. Un exemple ? Vous venez d’achever un projet sur lequel vous travaillez depuis un mois et vous demandez si il ne manque pas d’élément essentiel. Faites comme le peintre qui prend du recul sur sa toile et en un clin d’œil détermine si elle est équilibrée, si il y a des manques ou des effets inutiles.
La contemplation des œuvres d’art, quant à elle, permet entre autre de quitter le registre du jugement (guidé, on apprend vite à dépasser le « j’aime / je n’aime pas ») pour accéder à celui du ressenti, beaucoup plus riche et favorable à l’échange. 
L’art est donc un moyen de réaliser les expériences nécessaires pour accéder à des ressources de l’intelligence émotionnelle qui ne sont pas du ressort de l’explication rationnelle. La créativité, la vision, l’écoute, l’empathie, la synergie dans un groupe, etc. sont autant de domaines dont l’art peut ouvrir les portes aux collaborateurs de l’entreprise.
Et puis, faisons le calcul : si le management a cent ans environ, l’art en a près de quarante mille. Rien d’étonnant à ce que l’aîné puisse servir de guide au cadet.

Texte paru dans l’édition n°2 de Fabriquer le futur, Eric Seulliet, Village Mondial
Laurent Ryckelynck
 Fondateur de Togeth’art et artiste.

Le collage : un chemin…

Le collage : un chemin vers la création La création : un chemin vers soi…

Un article de Katy Ollif plasticienne,

« C’est mon infirmité qui écrit » – Christian Bobin

Il y a des années, lorsque la création s’est imposée à moi au quotidien, il m’est apparu comme une évidence que je devais faire avec ce qui était là, le plus basique, le plus simple, le plus dépouillé possible. La consommation de matériel et de matériaux ne pouvant pas m’aider sur ce chemin, les magazines destinés au rebut devinrent ma matière première : cette manne ne coûtait rien et recelait à mes yeux des merveilles qui méritaient d’être ré-installées dans le circuit de la vie. 
C’est ainsi que naquirent mes premiers collages, compilations de ce qui m’était alors Beauté, paysages nés pour pacifier un hurlement intérieur, harmoniser le chaos, sauver l’élan vital.
Récupérer pour créer : on m’offrait la forme. Me restait à trouver le liant, la raison d’être, le Souffle. Ma rencontre avec la taiji quan m’y amena, mettant mon corps au présent et reliant tous mes morceaux de vie.
 J’acceptai ce statut bizarre : artiste.

Il ne suffit pas de naître, il faut ressusciter – Olivier Py

La pratique du collage m’aida peu à peu à préciser mon cap, à dénouer  des immobilismes très anciens, à être dans la sensation et non plus dans l’idée… Mystère de la mise en relation de la personne avec sa créativité profonde !
 Rapidement je décidai de transmettre ce parcours qui s’avérait fécond : je ne pouvais garder pour moi seule cette manière de croissance alors que je voyais, tout autour, tant d’êtres coupés de leur intuition, de leur élan spontané, de leur poésie…
La présence c’est le commencement de la beauté – François Cheng
L’itinéraire que je propose dans mes ateliers vise à «laisser se faire» l’œuvre qui attend en soi : c’est une rencontre entre la mise en mouvement de l’énergie à l’intérieur -l’inspir- et la confiance dans le matériau qui se présente à l’extérieur -l’expir-. Les séances de travail commencent donc toujours par un temps de centrage et d’intériorisation : écouter dedans pour poser dehors,  lien corps-esprit pour puiser au «vide fertile». 
On s’installe ensuite à de grandes tables avec un stock de revues d’où chacun extrait ses pépites de papier. Pour cela une seule consigne : le plaisir. De tout ce que croise notre regard n’est retenu que le meilleur, pour soi, à cet instant. Avec gourmandise.
 Dès qu’on se trouve en possession de quelques «réserves», l’œuvre peut commencer à naître, un support rigide lui offrant son soutien : écouter l’influx de la matière, coller sans construire, au fur et à mesure de ce qu’on trouve, se laisser porter par les formes et les couleurs qui ouvrent le regard, jouer, s’oublier, attendre, sentir, recouvrir, improviser, faire confiance à ce qui est en train de se créer à travers soi, laisser ses doigts «travailler tout seuls»…
Puis voir de loin, se laisser surprendre, être disponible à ce qui fleurit…
Est-ce dû à l’absence d’outil entre le corps et la matière ?  
Au fait de déchirer «n’importe comment» avec ses doigts plutôt  que de découper «proprement» avec des ciseaux ? Au contact direct  avec la colle et le papier qui permet de «patauger comme à la maternelle» ?
Toujours est-il  que, dès les premiers moments, «j’entends» cesser les discours intérieurs. Une détente et une concentration intenses s’installent. 
Seul, le bruit du papier déchiré traverse l’espace.
Lors de la  première séance je pose quelques limitations dans le choix des matières (pas d’images figuratives, pas d’écrit…), afin de permettre à la «touche» de chacun d’émerger au plus vite. Consignes qui n’auront  plus lieu d’être dès que la personne se sera approprié le matériau et ne le considérera plus d’abord comme un magazine.
 Ce détournement permet une entrée de plain-pied dans l’abstraction, un certain oubli de soi pour devenir partie du tout : la sensualité de l’acte créateur prend le pas sur l’intention de résultat.

Ce que je trouve  est mille fois plus beau que ce que je cherche – Christian Bobin

Le résultat, pourtant, se fait rarement attendre : les formes et les couleurs s’installent, foisonnent, flamboient et dévoilent les beautés sises à l’intérieur de chacun. 
Energies qui s’expriment. Aptitudes qui se révèlent.
Choisir  ces toutes petites parcelles dans ce monceau de matériau pour les poser en face de soi semble remettre en route un mouvement endormi à l’intérieur, qui, pour peu qu’on le chevauche, nous embarque dans une spirale beaucoup plus vaste où les choses se font d’elles-mêmes…
Fulgurance des rouges, fragrance des verts… A se couler dans ce qui se présente, des paysages naissent, inconnus de leurs auteurs mêmes.
A condition de ne rien vouloir.
Souvent j’entends : «C’est drôle ! J’avais l’intention de mettre des bleus,  j’en ai cherché et finalement je ne les ai pas utilisés ! Il n’y a que des jaunes et du noir sur mon tableau !»
C’est que, justement, il ne s’agit pas d’avoir un projet  de couleur, de matière, encore moins de motif, mais bien de se laisser  choisir  par eux.
 Sinon, très vite le travail devient bavard.  Ou se fige. 
Et pour retrouver le mouvement, il s’agira de repasser par  le vide qui libère le Souffle afin que celui-ci guide à nouveau le geste.
Parfois, après un détour dans la «liberté» de l’abstrait, la figuration reviendra, surprenante, “ravissante“, là où on ne l’attend pas. Parce qu’on ne l’attendra pas, émergera un visage, un symbole, une lumière… qui sera toujours un cadeau pour son auteur.
Quant à moi, je suis émerveillée encore et encore par cette technique a minima,  cette économie de moyens et les infinis possibles qu’elles ouvrent : cette rencontre entre un matériau rendu banal par sa profusion et le geste simple qui lui redonne sa Beauté, est de l’ordre de la grâce.
 A ce stade, la «matérialisation» du tableau devient presque une anecdote : ce qui est rendu visible n’est que la fumée de ce qui s’accomplit dedans.  
Mais, de fait, l’œuvre existe. 
Ce travail méditatif, où l’on goûte au plaisir du silence, serait incomplet sans les temps de partage. 
En fin de journée/de week-end/de stage -c’est selon-  les tableaux sont installés côte à côte puis observés, décrits, interrogés…  
Les retours -respectueux mais sans complaisance et d’où sont bannies les locutions «c’est beau»/«c’est moche» au profit d’une expression fine et sincère – sont des moments intenses. 
Parfois difficiles : «Tout ce bazar, c’est moi… C’est sombre et c’est tout mélangé… Si seulement la lumière pouvait entrer…» 
Souvent  étonnants : «Dans ton collage je vois un chat… tu ne voulais pas faire un chat ? Pourtant, je ne vois que ça !» Et la personne interrogée de fondre en larmes en disant :  «Non je ne voulais rien ! C’est vrai, maintenant je le vois… Il est venu tout seul ! C’était  mon chat préféré et il est mort la semaine dernière…» 
Plus souvent encore, toniques et admiratifs : «Ton tableau m’emmène direct en vacances !», «Tes couleurs me font du bien…» ou même : «C’est moi qui ai fait ça ? Mais c’est super !»
A l’écoute des ombres, des lumières, des climats de chacun, ce temps est l’occasion de faire connaissance avec des aspects inconnus de soi ET avec les univers des autres. 
Il est remarquable qu’à partir d’une même consigne  -la plupart du temps minime, afin de laisser toute la place à l’imaginaire de chacun- adviennent des oeuvres tellement différentes  : puissantes, baroques, flamboyantes pour les uns, ténues, légères, translucides mais non pas moins passionnantes pour les autres…
On les ausculte, les retournant en tous sens, on les baptise, on s’amuse des dragons qui y surgissent, on repère les lignes, les masses, les couleurs dominantes, le trait qu’il serait bien de forcer ou celui sur lequel il vaut mieux recoller, sans regret… De petits groupes se forment, naturellement, pour commenter un travail, s’entraider pour sortir d’une impasse… 
Et la « production » en bénéficie : toujours plus ample et riche, évolutive et transformatrice, elle franchit parfois les murs de l’atelier lorsque certaines personnes parviennent à créer seules chez elles : «J’ai décidé de ne plus m’ennuyer  devant la télévision tous les soirs. Alors pour être quand même un peu avec mon mari qui, lui, la regarde, j’ai installé mes collages sur la table du salon… Et tous les soirs : je colle !!»
« Be the change you wish to see in the world » – Gandhi 
L’outil «collage», simplissime voire archaïque, permet d’aller en direct à ce qui importe. Un vrai lieu d’expression, haut en couleurs et en émotions, où l’on bataille avec la matière. On est loin de la morne satisfaction de la copie, de la peur qui cache les dons, de l’envie de surpasser les autres ou d’une quelconque compulsion. L’élan de chacun peut s’y lire et cette créativité non seulement pas éteinte mais toujours renouvelée, alimente en retour  l’étincelle de l’énergie vitale.
Lors de chaque expo du travail d’atelier, les commentaires sont toujours élogieux puis  ensuite surpris : «Ah bon ? C’est du collage ?…», sous entendant que collage rime rarement  avec admiration.
Il est vrai que c’est une technique peu utilisée comme mode d’expression à part entière. Au mieux on fait référence à Prévert et à ses collages surréalistes… 
Et pourtant :  les énergies présentes dans les œuvres que je vois se créer, stage après stage, parlent de nourriture, de désir, d’affirmation, d’enthousiasme, de ferveur… 
Et de notre aptitude à créer.
Est-ce qu’on créé ce qu’on voudrait contempler ?
Le geste créateur nous met-il en contact avec notre dimension d’éternité ?
Tenter d’ajouter du Beau, n’est-ce pas honorer la Création en allant dans son sens ?

Katy Ollif